Sekiranya penguasaan William Shakespeare terhadap teater Barat tidak meluas ke panggung opera - fakta yang dijelaskan oleh kehendak Shakespeare-kongenial librettists, ketidakpedulian sastera komposer, dan kesukaran yang terlibat dalam menetapkan pentameter iambik ke muzik - kanon Shakespeare tetap ada dirinya sebagai salah satu inspirasi opera yang hebat. Ini jelas dari opera 200 ganjil berdasarkan drama Shakespeare, kira-kira setengah lusin daripadanya adalah antara monumen pencapaian opera yang jarang berlaku. Hal ini diperlihatkan lagi oleh rangkaian rujukan sembrono yang lebih luas — momen-momen opera lain yang menunjukkan tanda-tanda kemiripan keluarga Shakespeare yang tidak jelas tanpa ada kaitan salasilah yang dinyatakan dengan sumbernya. Drama Shakespeare telah meningkat, berdampingan,kepada keturunan operatik yang "sah" dan penyebaran operatik tanpa nama, sejarah Shakespeare yang dirakam dan tidak direkodkan di panggung opera.
Opera berasal dari Shakespeare
Keperluan untuk mengakomodasi watak-watak formal dan watak-watak teater Shakespeare yang beraneka ragam untuk penggantian penghafalan dan aria, pemandangan yang rumit, dan konvensyen opera lain menjadikan penyesuaian Shakespeare sebagai perniagaan berbahaya. Versi opera pelakon David Garrick dari The Tempest (1756) dituduh melakukan "pengecoran" karya asli Shakespeare, sementara Lord Byron (dalam surat 1818 kepada penyair Samuel Rogers) mengecam librettis Gioacchino Rossini kerana "menyalibkan" Othello (1816).
Henry Purcell's The Fairy Queen (1692) biasanya dijuluki sebagai opera Shakespeare pertama. Muziknya, bagaimanapun, terbatas pada selingan dalam Dream A Midsummer Night's . Hanya di Dido dan Aeneas (1689) Purcell berpeluang menulis muzik untuk pahlawan tragis berstatus mitos. Satu-satunya opera Purcell, yang ditulis untuk pemeran gadis muda, memperlihatkan pengaruh Shakespeare yang jelas yang dapat dianggap selamat oleh librettisnya, penyair dan penulis drama Nahum Tate, yang biasa dengan kanon itu. Tate secara konsisten "ditingkatkan" Shakespeare agar sesuai dengan selera penonton baru, contoh yang paling terkenal adalah akhir yang senang ditambahkannya kepada King Lear (Tate's King Leartahun 1681 — di mana Cordelia bukan hanya tinggal tetapi menikahi Edgar — sebenarnya satu-satunya versi yang akan dipersembahkan di pentas Inggeris selama 150 tahun akan datang). Bagi Dido dan Aeneas , Tate benar-benar mengikuti Virgil dengan setia, kecuali penambahan dua adegan penyihir berinspirasi Macbeth yang kedua-duanya menyulitkan tindakan itu dan memperkenalkan banyak keraguan mengenai peranan takdir dalam keputusan Aeneas; Merkuri di sini menjadi umpan semata-mata yang dihantar oleh para penyihir untuk menipu Aeneas dengan tujuan keseluruhan untuk menyakiti Dido. Namun penambahan ini membentuk dimensi Shakespeare yang menjadikan opera pendek ini sesuai untuk digunakan sebagai "bermain dalam drama" dalam pertunjukan Measure for Measuredi pentas London pada tahun 1700. Sesungguhnya, penyisipan potongan muzik dalam atau selepas lakonan Shakespeare menjadi kebiasaan pada abad ke-18: Pastor George Frideric Handel, Acis dan Galatea , misalnya, dilakukan di Drury Lane pada tahun 1724 sebagai pertunjukan The Tempest .
Opera seria dan opera buffa
Sangat mengasyikkan, sehubungan dengan dramaturgi Shakespeare, untuk memperhatikan bahawa opera dilahirkan di Florence pada tahun 1600 — kira-kira ketika Hamlet pertama kali menyuarakan pandangan Shakespeare mengenai lakonan. Shakespeare dan ahli teori opera menyatakan kebimbangan yang sama mengenai bahasa dan persembahan. ( Lihat juga Sidebar: Shakespeare on Theatre.) Opera berjaya, dan Venice mula membuka rumah opera awam pada tahun 1637; pada tahun 1642 Puritan London menutup pawangnya. Opera Itali sampai di London hanya pada awal abad ke-18, ketika ia segera menjadi fesyen dan memecah belah orang ramai. Shakespeare dipanggil dalam pertandingan ini: drama "mekanik kasar" dari A Midsummer Night's Dream telah berubah menjadi karikatur opera Itali di Richard Leveridge'sMasker Komik Piramus dan Thisbe (1716). Kira-kira 30 tahun kemudian (1745), JF Lampe menghidupkan kembali buku itu sebagai "opera tiruan", lengkap dengan kemarahan yang penuh kemarahan dan berjaya.
Masih lebih antagonis adalah reaksi terhadap opera Itali yang ditulis di Shakespearean librettos. Ambleto Francesco Gasparini ( Hamlet ), yang telah dimainkan di seluruh Eropah, dibawa ke London pada tahun 1712 oleh pemeran terkenal Nicolini tetapi dengan cepat menghilang dari tempat kejadian. Francesco Maria Veracini's Rosalinda (1744) - Seperti yang Anda Suka Ia dipentaskan sebagai pastoral Itali yang sopan dan ditulis untuk pemeran sopran wanita dan castrato - mengalami nasib yang sama. Gli equivoci , buffa opera oleh satu-satunya murid Inggeris Wolfgang Amadeus Mozart, Stephen Storace, mengemukakan kes yang berbeza. Ditulis pada libretto oleh Lorenzo Da Ponte (banyak semangatnya - dan Mozart - Perkahwinan Figaro) dan diterima dengan baik pada tahun 1786 di Vienna Burgtheater (sekarang Hofburgtheater) dan di seluruh Jerman, Gli equivoci , yang merupakan satu-satunya lokasi terkenal The Comedy of Errors , dianggap terlalu "Mozartian" dan tidak pernah sampai ke London.
Yang lain, seperti JC Smith dan David Garrick yang disebutkan di atas, kedua-duanya menggunakan dan mencabar fesyen opera Itali. Sementara opera mereka di The Tempest , dan juga The Fairies (1755), di mana Prolog bergurau mengaitkan kepengarangan dengan "Signor Shakespearelli," kurang diterima, buku Garrick's Tempest berjaya dihidupkan kembali pada tahun 1777 dengan muzik oleh Thomas Linley yang luar biasa (1756 –78). Sepanjang abad ke-18, The Tempest , seperti Midsummer Night's Dream , sebenarnya tidak pernah dipersembahkan kecuali sebagai hiburan muzik.
Selepas pergantian abad ini, penggubah opera buffa (seperti Antonio Salieri) dan singspiel Jerman (seperti Carl Ditters von Dittersdorf) mengalihkan pandangan mereka ke urat Shakespeare yang lebih aneh. Pada tahun 1849 Otto Nicolai, setelah menyatakan bahawa hanya Mozart yang dapat berlaku adil kepada Shakespeare, menulis sebuah opera yang berjaya di Die lustigen Weiber von Windsor ( The Merry Wives of Windsor ). Herman Goetz's Der Widerspenstigen Zähmung (1874; The Taming of the Shrew ) membuat Kate jatuh cinta dengan Petruchio hampir pada pandangan pertama - mengubah antiheroin yang yakin pada diri Shakespeare menjadi histeris abad ke-19 hochdramatisch .
Wanita dari teater hingga opera
Senja opera seria dan kemunculan opera Romantik dilambangkan oleh kemunculan prima donna dan penaklukan wanita di wilayah soprano yang sebelumnya didominasi castrato. Peranan wanita Shakespeare, kerana dimainkan oleh lelaki, biasanya kurang dikembangkan daripada peranan lelaki; dengan pengecualian Rosalind (dalam As You Like It ) dan Cleopatra (dalam Antony dan Cleopatra ), peranan wanita Shakespeare jauh lebih kurang penting. Tetapi keutamaan soprano abad ke-19 meluas ke banyak peranan wanita Shakespeare lain, mengubahnya menjadi bahagian utama.
Rossini's Otello (1816), seria opera pertama dengan akhir yang tragis, memunculkan tiga tenor — Iago (penjahat), Rodrigo (kekasih yang ditolak), dan Otello (penyerang) —terhadap Desdemona yang terkepung yang melebihi mereka semua — dan dia bapa basso, Brabantio, untuk boot. Mengikuti "terjemahan" Perancis abad ke-18 Othellooleh Jean-François Ducis, Rossini menggantikan sapu tangan, pakaian dalam wanita yang sangat mengejutkan ini, dengan surat komedi Itali yang kurang tersurat dan tidak dapat diterima. Penyair Perancis Victor Hugo dan Alfred de Vigny membuat keseronokan tanpa henti dengan "peningkatan" ini, namun pelukis Eugène Delacroix begitu terkesan dengan pembacaan ini sehingga lukisannya menunjukkan Desdemona, bukan Othello, sebagai protagonis. Sebilangan besar aksi dalam aksi pertama sememangnya dipaksa memasuki acuan seria opera konvensional. Ini berisi ari-ari bravura untuk semua solois dan final final yang dramatis yang hanya berhubungan jauh dengan perkembangan naratif Shakespeare yang halus. Berbeza dengan versi panggung, yang bergerak dari Venice ke Cyprus dan melibatkan watak-watak hidup rendah seperti pelacur dan burung camar, keseluruhan opera diatur di istana-istana megah di Venice,mengadakan pertukaran yang sopan antara anggota kelas individu mulia tunggal yang diatur oleh nafsu yang boleh diterima. Namun dalam aksi terakhir opera seminal ini, Rossini memperkenalkan petikan dari Dante'sInferno , dinyanyikan oleh gondolier yang lewat, yang mendorong Desdemona menyanyikan Lagu Willow yang rumit yang disertainya di atas kecapi, diikuti dengan doa yang sangat menggerakkan, menuju ke tempat pembunuhan dan kesimpulan yang singkat. Otello adalah satu-satunya opera Rossini yang berakhir dengan cara ini, dan pengaruh tindakan terakhir ini pada opera abad ke-19 telah terbukti bertahan dan meluas.
Hector Berlioz "Shakespearien" yang bersemangat meletakkan sopran di barisan depan dalam karya terakhirnya, Béatrice et Bénédict (1862), berdasarkan subplot "Merry War" dari Banyak Ado About Nothing . Shakespeare adalah inspirasi yang tidak pernah berakhir untuk Berlioz, terutama dalam simfoni paduan suara Roméo et Juliette (karangan 1839) Romeo dan Juliet terbukti menjadi kegemaran sepanjang masa untuk komposer opera, mendorong lebih dari 20 versi. Dalam penyesuaian oleh komposer seperti Nicola Antonio Zingarelli dan Nicola Vaccai, bahagian Romeo dinyanyikan oleh mezzo-soprano, terhadap penolakan Berlioz, yang lebih suka, untuk ini dan sebab-sebab lain, Roméo et Juliette dari Daniel Steibelt (1793). Saya Capuleti, sebuah kenderaan untuk saudara perempuan Grisi yang terkenal (Giuditta dan Giulia), ansambel wanita istimewa dan menaklukkan orang ramai dalam duet akhir para kekasih dengan cara membangunkan Giulietta tepat pada waktunya — sebuah akhir yang dipopularkan oleh Garrick. Juliette adalah warna yang canggih dalam opera Charles Gounod tahun 1867 (diistilahkan oleh Rossini "duet dalam tiga bahagian: satu sebelum, satu selama, dan satu demi satu"), terlalu maju, seperti Ophelia of Ambroise Thomas's Hamlet (1868), dengan perbelanjaan rakan lelaki. Contoh lain dari kecenderungan itu termasuk Saverio Mercadante's Amleto (1822), di mana bahagian Hamlet dinyanyikan oleh seorang wanita, dan sebuah opera verismo dinamakan semula Giulietta e Romeo (1922) oleh Riccardo Zandonai.
Librettos Gounod dan Thomas ditulis oleh pasukan berjaya Jules Barbier dan Michel Carré, yang bersama-sama dan secara berasingan atau dengan yang lain mengarang librett dari beberapa opera Perancis yang paling bertahan lama. Plot Roméo et Juliette dari Gounod cukup setia pada aslinya, menghilangkan banyak watak sekunder dan mengembangkan yang lain (halaman Stefano, misalnya, yang tidak disebutkan namanya dalam tragedi Shakespeare, mempunyai aria yang tidak dapat dilupakan). Pemergian utama dari plot asal adalah sekali lagi kebangkitan Juliette tepat pada waktunya untuk berduet menyedihkan dengan Romeo sebelum keduanya mati, memohon pengampunan Tuhan atas bunuh diri mereka yang tidak Kristiani.
Opera, yang bermula dengan adegan bola di Capulets ', melebih-lebihkan beberapa episod, termasuk penampilan pertama Juliet, penyataan (oleh Tybalt dan bukannya jururawatnya) identiti Romeo kepada Juliet, dan kematian palsu Juliet, yang berlaku sama seperti ayahnya telah memeluknya untuk memimpinnya ke kapel untuk berkahwin dengan Paris. Singkatnya, ia mengandungi semua bahan untuk berjaya dan menjadi rebutan. Ini tetap ada dalam repertoar bersama dengan Faust , penyesuaian Gounod yang lain dari sebuah karya sastera.
Pada awal 1990-an Thomas's Hamlet, setelah sekian lama melalaikan, bermula sekali lagi dilakukan oleh penyanyi terkenal di pentas berprestij dan untuk dirakam. Opera ini membuat Hamlet menentang Gertrude, ibunya, dan Ophelia yang dicintainya, tetapi ia juga memberikan gambaran menarik mengenai persoalan politik yang merisaukan Perancis ketika ia ditulis, dua tahun sebelum berakhirnya Empayar Kedua: Gertrude tahu semua tentang pembunuhan bekas suaminya oleh Claudius (suaminya sekarang), dan Hamlet menolak Ophelia hanya apabila dia menyedari bahawa Polonius adalah kaki tangan dalam perbuatan itu. Dalam adegan "perangkap tikus", Hamlet yang kelihatan gila menarik mahkota dari kepala Claudius, mendorong penghujung bahagian epik, ketika Mahkamah mengulas tindakan lèse-majesté ini. Di tempat terakhir, di kuburan, hantu ayah Hamlet muncul untuk kali ketiga,terlihat selama ini, menuntut tindakan dari Hamlet, yang segera membunuh Raja Claudius, sehingga mengembalikan kesahihan takhta dan membawa kestabilan ke negaranya yang terseksa. Opera berakhir dengan suara orang-orang berteriak "Vive Hamlet! Vive notre roi! "
Dalam Das Liebesverbot (1836), satu-satunya opera Shakespeare Richard Wagner dan satu-satunya pengaturan Measure for Measure yang masih ada , peranan Duke sepenuhnya diserahkan kepada Isabella, yang secara diam-diam menyukai Lucio yang berfikiran bebas. Persembahan aslinya adalah kegagalan sepenuhnya, dan karya itu hilang dari repertoar. Beberapa pertunjukan pada pertengahan hingga akhir abad ke-20, dan juga rakaman, telah menyelamatkan karya itu dari terlupa sepenuhnya dan menjelaskan tahun-tahun formasi Wagner, ketika dia masih berusaha menulis muzik arus perdana.
Mengenai peranan soprano yang menonjol dalam Macbeth Giuseppe Verdi (1847), ini disebabkan oleh Shakespeare sendiri: Verdi hanya menyedari bahawa soloki Lady Macbeth membaca persis seperti solo opera. Arahannya bahawa dia "tidak boleh menyanyi sama sekali" digema di Ernest Bloch's Macbeth (1910), di mana orkestra memainkan peranan utama, memberikan titik tolak, kedalaman, dan ironi tragis yang tidak dapat disampaikan oleh suara-suara saja. Seperti Thomas's Hamlet , Verdi's Macbeth mencerminkan keadaan politik di tanah air komposer dengan lebih dari satu cara: kuasa zalim para perampas ditentang oleh orang buangan Scotland yang menuntut kebebasan. Chorus Profughi Scozzesi adalah gema "Va, pensiero," paduan suara terkenal dari Nabucco yang menjadi lagu kebangsaan dalam perjuangan untuk kesatuan Itali — mendorong nama Verdi menjadi akronim untuk moto "Vittorio Emmanuele, Re d'Italia."
Rossini's Otello diselamatkan oleh ingatan Shakespeare's, seperti yang dikatakan oleh Stendhal. Penyesuaian abad ke-20 berayun ke arah yang bertentangan: dalam Amleto Mario Zafred (1961) atau Frank Martin Der Sturm (1956), muzik parlando merangkumi kata-kata Shakespeare; bacaan literal oleh Reynaldo Hahn (1935) dan Mario Castelnuovo-Tedesco (1961) telah menghasilkan dua versi The Merchant of Venice yang tidak panjang lebar .
